Luis Gerardo Méndez
es un actor de cine y teatro que nació en Aguascalientes, México, el 12 de marzo de 1982. desde muy pequeño mostró interés por la actuación; sin embargo, fue hasta el año 2003 cuando debutó en televisión haciendo un papel secundario en ladrón de corazones. su primera aparición en pantalla grande se dio con la cinta santos peregrinos (2004) y en 2006 participó en otras dos películas, la niña en la piedra y efectos secundarios. ese mismo año realizó su debut en teatro interpretando a colate en la exitosa obra hoy no me puedo levantar (2006). en los siguientes años su carrera continuó avanzando y llegaron más papeles en los que destacaría, entre ellas lola, érase una vez (2007), la obra avenida q (2008) y la cinta la otra familia (2011), pero fue en el 2013 cuando se consolidó con el personaje de Javi noble en la película nosotros los nobles. luis gerardo demostró su enorme talento en las puestas en escena el curioso incidente del perro a medianoche (2013) y hotel Good luck (2015), además de destacar en las cintas de manolo caro no sé si cortarme las venas o dejármelas largas (2013) y elvira, te daría mi vida pero la estoy usando. luego de uno de los años más exitosos en su carrera, Méndez fue fichado para aparecer en cantinflas (2014), biopic de la leyenda de la comedia mexicana. recientemente agregó un éxito más a su trayectoria con la serie de Netflix, club de cuervos (2015-2017), en la que le da vida al consentido y maleducado, chava iglesias. además de brillar el cine y la tele, Luis Gerardo Méndez, estelarizó la obra de teatro privacidad junto al actor diego luna. en el 2019, luis Gerardo, incursionó en Hollywood como productor y, además, protagonizó la película original para Netflix de Adam Sandler, misterio a bordo.
Cine
Televisión[editar]
| Televisión2 | |||
| Año | Título | Personaje | Notas |
| 2018 | La Balada de Hugo Sánchez | Salvador «Chava» Iglesias Jr. | Episodios: «Ponte bloqueador» «Los despreciables» |
| 2015 – 2019 | Club de Cuervos | Salvador «Chava» Iglesias Jr. | Todos los Episodios |
| 2012 | La familia P. Luche | Manuel y Fulgencio | Episodios: «Valle del Nabo» y «El funeral del Merengues» |
| La clínica | Miguel | ||
| 2012 | ¿Quién dijo yo? | Conductor | |
| 2009–2012 | XY. La revista | Julián Reverte | |
| 2011 | El encanto del águila | José León Toral | Episodio: «El último Caudillo» |
| 2010 | Capadocia | Luis | Episodios: «La sal de la tierra» «Expiación» |
| Gritos de muerte y libertad | Juan Fernando Domínguez | Episodios: «El estallido: 1810« «Las conspiraciones de Josefa« | |
| 2009 | Los simuladores | Episodios: «Workaholic» «El baquetón» «El vengador infantil» «Deja vú» | |
| Mujeres asesinas | Luis | Episodio: «Cecilia, prohibida» | |
| Gregoria la cucaracha | |||
| 2008 | Vecinos | Piloto | Episodios: «Extreme Makeover: Edición vecindad» «Superación personal» «La nueva hija de los Rivers» «Frankie Superestrella» «Despedida de soltera» «Vendedora de Tuppers» |
| 2007 | Lola, érase una vez | Damián Ramos ‘Bataca’ | |
| 2005 | Corazón partido | Ignacio ‘Nacho’ Echarri | |
| 2004 | Gitanas | Claudio | |
| 2003 | Ladrón de corazones | Raúl |
Nouvelle vague
Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que la crítica utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés imponía hasta ese momento y, consecuentemente postularon como máxima aspiración, no sólo la libertad de expresión, sino también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
El apelativo Nouvelle vague surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada Cahiers du Cinéma (Cuadernos de Cine) fundada en 1951 por André Bazin deciden incurrir en la dirección de filmes hacia finales de los años cincuenta, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años precedentes. Tales son los casos de François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville
Entre los referentes que inspiraron a esta “nueva ola” de la producción cinematográfica francesa, es posible citar al célebre André Bazin, del cual adoptaron la necesidad de retratar la realidad organizando la percepción de las obras de un modo sumamente verosímil en cuanto al desarrollo de las vicisitudes de los personajes. Para Bazin, el realismo es ontológico en el cine, es decir, connatural al carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica, y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales. De manera similar, en 1948, el director y crítico de cine Alexandre Astruc proclamó un nuevo estilo fílmico, la «cámera-stylo»; se trata del cine de autor, en el que el director tenía que encontrarse creativamente por encima de todo y la película tenía que nacer de él: «Si el escritor escribe con una pluma o un bolígrafo, el director escribe con la cámara». Todas estas ideas se convirtieron para los autores de la nouvelle vague en sugerentes conceptualizaciones teóricas, debido a que se habían convertido en verdaderos cinéfilos a base de haber absorbido innumerables películas en la Cinémathèque française, donde los conceptos de «autor» y «autoría» gozaban de gran capital simbólico.
Un aspecto fundamental que va a favorecer el cambio en el cine francés es el hecho de que en 1958, terminada la guerra de independencia de Argelia, Charles De Gaulle, presidente de la República, nombra como ministro de cultura a André Malra, que va a impulsar una legislación proteccionista favorable a los cineastas noveles y al cine de calidad.
Características:
Los jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle Vague se caracterizaron por:
- Poseer un bagaje cultural cinematográfico importante, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa.
- Forjar su estilo a través de la crítica en la revista Cahiers du Cinéma. Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.
- Defender el cine de directores como Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock, Samuel Fuller, etc., así como también el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati, Max Ophuls, etc.
- La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.
- Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra.
- Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.
Las innovaciones técnicas y los bajos costes de los instrumentos necesarios para la realización de filmes contribuyeron a la emergencia de esta corriente. Las cámaras ligeras de 8 mm y 16 mm (formatos no profesionales) y las nuevas emulsiones más sensibles hicieron posible que se rodara sin iluminación artificial, cámara al hombro y en locaciones naturales, es decir, sin necesidad de montar grandes escenografías en monumentales estudios cinematográficos. Ello conduce a un estilo de reportaje, con tomas largas, forma despreocupada y una duración de rodaje que se reduce a unas pocas semanas. Aportan un nuevo uso de la fotografía, en blanco y negro, que se sirve en interiores de una iluminación indirecta, rebotada, para generar así un ambiente realista al estilo de las iluminaciones difusas de Murnau, lo que permite rodar con ligereza y que la cámara siga a los actores de forma más natural. Su técnica es casi artesanal, con un equipo técnico reducido, sin estrellas importantes y con una interpretación improvisada por actores jóvenes. En suma, es un cine realista, bajo la influencia del Neorrealismo italiano y del lenguaje televisivo, que trata sobre temas morales aunque no hurgue en las causas del comportamiento de los personajes.
El cine de México de los 70
el gobierno de Echeverría, encaminadas a mejorar la producción cinematográfica, fueron: la reconstitución de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas y de la entrega del Ariel, en 1972; la inauguración de la Cineteca Nacional, en 1974, y la creación del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), en 1975. El cine mexicano producido de 1970 a 1976 es considerado, por muchos estudiosos de la cinematografía mexicana, como uno de los mejores que se hayan hecho en ese país. Durante este periodo surge una nueva oleada de cineastas jóvenes de vanguardia:
- Carlos Enrique Taboada: Aunque durante su carrera tras las cámaras abordó diferentes temas y géneros, Carlos Enrique Taboada ha pasado a la historia del cine mexicano como uno de los mejores representantes del escasísimo cine de horror nacional. La popularidad alcanzada por sus películas de horror es indiscutible. Ni Taboada mismo, ni sus otras trece películas, de otros géneros han logrado un reconocimiento semejante al de su tetralogía de horror gótico: Hasta el viento tiene miedo (1968), El libro de piedra (1968), Más negro que la noche (1974) y Veneno para las hadas (1984). A pesar de que él se concebía como un director de actores, las películas de Taboada demuestran su extraordinaria habilidad para la narrativa puramente fílmica. Buena parte del éxito alcanzado por sus cintas de horror se debe más a las virtudes del director para elaborar atmósferas inquietantes que a la interpretación de sus actores. En este sentido, Taboada y Fernando Méndez han sido los únicos directores mexicanos que comprendieron la importancia de la sutileza en el horror
- Luis Alcoriza: Colaboró con Luis Buñuel, en ocho de sus guiones. Grandes amigos, Alcoriza no vio valorada su obra como el calandino, lo que siempre le pesó, más aún cuando era considerado su «discípulo», algo que él siempre negó tajantemente alegando que «Buñuel nunca le dio clases». Insistía Alcoriza en que las similitudes podrían venir dadas por las fuentes culturales comunes, pero nunca de una imitación o una relación de profesor-alumno. Sin embargo, gracias a la crítica especializada, hoy varios títulos de la obra de Alcoriza han sido revalorados, destacándose obras como Tlayucan (1962), Tiburoneros (1963), Tarahumara (1965), Paraíso (1970), Mecánica nacional (1971), Presagio (1974) y Las fuerzas vivas (1975).
- Arturo Ripstein: El temprano debut de Ripstein constituyó una situación extraordinaria para la época, considerando que la rígida estructura sindical de la industria cinematográfica mexicana mantenía cerradas sus puertas a nuevos directores. Dos factores se conjugaron para facilitar, indirectamente, la llegada de Ripstein al cine: por un lado, la creación del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), primera escuela de cine de América Latina; por el otro, la organización de los concursos de cine experimental por la Sección de Técnicos y Manuales del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) en 1965 y 1967. Su ingreso formal a la industria se produjo tres años después. Durante los años setenta, Ripstein se consolidó como director e inició una de las etapas más fructíferas de su carrera, la cual incluye tres de las cintas más importantes del cine mexicano contemporáneo: El castillo de la pureza (1972), El lugar sin límites (1977) y Cadena perpetua (1978). Las dos últimas lograron colocarlo en el selecto grupo de jóvenes cineastas mexicanos cuya filmografía comenzó a ser estudiada con detenimiento por especialistas nacionales y extranjeros. Después de un breve periodo caracterizado por producciones poco afortunadas, Ripstein encontró en 1985 a la escritora Paz Alicia Garciadiego, quien se convirtió en su mancuerna más efectiva. El binomio Ripstein-Garciadiego emprendió un viaje directo rumbo a la definitiva internacionalización de la filmografía ripsteiniana. España y Francia le rindieron tributo a través de muestras, exhibiciones y premios, y su nombre comenzó a mencionarse repetidamente junto al título de «el mejor director mexicano de nuestro tiempo».
- Jaime Humberto Hermosillo: Con el paso del tiempo, los filmes de Jaime Humberto Hermosillo se han convertido en referencia obligada para el análisis de la conducta social del mexicano contemporáneo y del retrato que el cine ha hecho de ella. Nacido en un entorno conservador, Hermosillo ha construido una sólida filmografía cuyo común denominador es su interés -casi quirúrgico- por diseccionar la hipocresía clasemediera mexicana y «abrir la cortina» detrás de la cual se esconden muchas perversidades. Su carrera profesional se inició con la comedia de producción privada La verdadera vocación de Magdalena (1971). La crisis cinematográfica de los ochenta obligó a Hermosillo a refugiarse en el cine independiente y a radicar en Guadalajara. Esta etapa de su filmografía tiene como punto culminante a Doña Herlinda y su hijo (1984), la comedia más abiertamente gay del cine mexicano. El éxito alcanzado por este filme fuera de México le aseguró a Hermosillo el honor de ser uno de los pocos directores mexicanos cuyas películas han sido adquiridas por compañías distribuidoras extranjeras y comercializadas en video y DVD.
- Jorge Fons: En 1966, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM egresó a su primera generación. Aquellos jóvenes conformaban el primer contingente de cineastas mexicanos que habían realizado estudios formales de cinematografía en México. Entre ellos destacaba Jorge Fons, un inquieto veracruzano con muchas ideas y ganas de filmar. Su dominio del cortometraje fue evidente cuando dirigió el tercer episodio de Fe, Esperanza y Caridad (1972) el cual le valió la nominación -sin precedentes en la historia de los premios Ariel de la Academia Mexicana de Ciencias y Artes Cinematográficas- dentro de las categorías de mejor película (por solo este episodio) y mejor director. De toda su filmografía, cabe destacar Los albañiles, basada en la novela de Vicente Leñero; Rojo amanecer (1989), primera cinta en hacer referencia directa a los sucesos de 1968. La historia de este filme y sus consecuencias es ya muy conocida y no tiene caso reseñarla de nuevo. Basta decir que con ella Fons abrió la puerta a una nueva generación de jóvenes cineastas quienes, como él mismo dos décadas atrás, luchaban por integrarse a una industria que los necesitaba urgentemente. Y finalmente destaca El callejón de los milagros (1995), esta última basada en el libro homónimo de Naguib Mahfuz, de 1947 que rompe con los esquemas clásicos de narración lineal en el cine.
Cine de ficheras y la comedia erótica mexicana
Bastó un sexenio para que la industria cinematográfica apoyada por el Estado se desplomará, ante la inercia e indiferencia de los nuevos funcionarios encargados de continuar con la labor cinematográfica. En 1976, el presidente José López Portillo nombró a su hermana Margarita como Directora de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC). La labor de esta al frente del destino de los medios de comunicación en México fue completamente desastrosa. Con la idea de «propiciar un retorno al cine familiar» y «regresar a la época de oro», la administración de López Portillo desmanteló las estructuras de la industria cinematográfica estatal creadas un sexenio antes. Se trató de internacionalizar al cine mexicano trayendo a directores extranjeros a filmar a México. Se dejó de apoyar a los directores que habían producido filmes de éxito en el sexenio anterior. A final de cuentas, el presupuesto oficial para el cine mexicano desapareció en el mar de la deuda externa. Mientras tanto, aprovechando un cambio favorable en las políticas de exhibición, surgió una nueva industria cinematográfica privada, la cual en pocos años se adueñó del mercado mexicano. Esta industria -caracterizada por producir películas de bajo costo, en muy poco tiempo y con nula calidad- prosperó y se enriqueció a lo largo de la década de los ochenta. El cine de ficheras y la comedia erótica mexicana, fueron géneros que florecieron en las décadas de 1970 y de 1980.
El nombre cine de ficheras se acuñó a raíz del título de la primera de estas películas, llamada Bellas de noche (Las ficheras), de 1975. A diferencia de sus antecesoras, las rumberas, estas nuevas «damas de la noche» aprovecharon las facilidades otorgadas por las autoridades fílmicas para prodigar desnudos y palabrotas.
Comentario:
Los temas del día de hoy son muy importantes ya que todas las clases recordamos a artistas y premios donde artistas de México son reconocidos, el ver los del cine mexicano, donde las diferentes personas,dieron vida al cine de la época de oro es una de las mas importantes de México por el hecho de que fue un auge en la parte de la cultura y que por este movimiento surgieron varios talentos que dieron un gran salto en el entretenimiento y que fueron conocidos por sus grandes obras, el ver como todos estos temas se consideran una parte de nuestro patrimonio y que en la rama de comunicación esto es una rama que debemos conocer por el hecho de que fue uno de nuestros inicios de la carrera
Referencias:
Luis Gerardo Méndez, de locutor a ‘Mirrey’». Archivado desde el original el 6 de marzo de 2019. Consultado el 3 de marzo de 2019.
Kit, Borys (14 de junio de 2018). «Luis Gerardo Mendez Joins Adam Sandler, Jennifer Aniston in ‘Murder Mystery’ (Exclusive)» (en inglés). Consultado el 13 de mayo de 2019.
Pop Thing, historia y películas de la Nouvelle Vague, en español.
Mapa conceptual de la Nouvelle Vague, en español
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